Out of Easy Reach

Curated by Allison M. Glenn

Lisa Alvarado
Traditional Object 21, 2017
Acrylic, fabric, wood, 86 x 104 in.
Courtesy the artist and Bridget Donahue, NYC

Traditional Object 21 [Objeto tradicional 21], 2017
Pintura acrílica, tela, madera
Ambas obras cortesía la artista y Bridget Donahue, NYC

Traditional Object 15, 2014
Acrylic, fabric, wood, 74 x 80 in.

Courtesy the artist and Bridget Donahue, NYC

Traditional Object 15 [Objeto tradicional 15], 2014
Acrílico, tela, madera
Ambas obras cortesía la artista y Bridget Donahue, NYC

Alvarado’s Traditional Object series began in 2010 as portable stage sets for performances by Natural Information Society, a musical ensemble of which the artist is a member. With that performative history and potential and their repetitive patterning, Alvarado’s paintings connect to traditions of ritual and textile objects produced by less visible cultures. For instance, the artist has acknowledged textile traditions from the Americas as a framework for her painting and concepts of talismans and mandalas in her practice. The artist’s choice to call the works “traditional objects” also calls into question the very terminology used to discuss such cultures —what does it mean for Alvarado’s unconventional and hybrid works to be “traditional”? And where is the line between “objects” and “art”?

La serie Traditional Object de Alvarado fue creada originalmente para ser exhibida durante las presentaciones de Natural Information Society, un conjunto musical en la cual la artista participa. Teniendo ésta conexión histórica y potencial relacionada a esas presentaciones, así como también sus patrones repetitivos, las obras pictóricas de Alvarado se conectan las tradiciones de objetos sagrados y rituales producidos por culturas minoritarias y menos visibles. Por ejemplo, la artista ha reconocido las prácticas textiles peruanas y mexicanas y las prácticas talismánicas taoístas como parte de sus influencias. La elección de la artista de llamar a las obras "Objeto Tradicional" también pone en tela de juicio la terminología de tradicional utilizada para analizar tales culturas: ¿qué significa que los objetos experimentales e híbridos de Alvarado sean "tradicionales"? ¿Y dónde está la línea entre "objetos" y & "arte"?

Torkwase Dyson
Untitled (Hypershape), 2017
95 gouache and pen on paper drawings, 9 x 12 in. each
Courtesy the artist and Rhona Hoffman Gallery

Untitled (Hypershape) [Sin título (hyperforma)], 2017
95 dibujos de gouache y pluma en papel
Cortesía la artista y la galería Rhona Hoffman

Dyson’s ever-evolving practice examines how geometry and the language of shapes hold history and meaning. Untitled (Hypershape) continues the artist’s production of paintings and works on paper that investigate power, with specific relationship to land, history, natural resources, and well-being. The title is influenced by ecological theorist Timothy Morton’s concept of “hyperobjects”—objects that are so diffuse that they are not easy to study and understand directly (such as global warming). Dyson’s hypershape practice builds formal improvisation on proximity, habitation, and motion as they relate to the material zones of industrial extraction and capital exploitation.

La práctica siempre cambiante de Dyson examina cómo la geometría y el lenguaje de las formas tienen historia y significado. Su obra, Sin título (hypershape) continúa la línea de producción pictórica como también las obras en papel de la artista, trabajo que indaga el tema de poder, relacionado específicamente con teneduría de la tierra, historia, los recursos naturales y el bienestar. El título está influenciado por el concepto del teórico ecologista Timothy Morton de "hiperobjetos", objetos que son tan difusos que no son fáciles de estudiar y comprender directamente (como el calentamiento global). Diagramas, análisis y meditaciones sobre aspectos políticos y ecológicos del tiempo y el espacio, los dibujos de Dyson imitan a los hiperobjetos en su profusión relacional y su resistencia a la aprehensión fácil.

Leslie Hewitt
Riffs on Real Time (10 of 10), 2008
Traditional chromogenic print, 40 x 30 in.
Collection of Dr. Daniel S. Berger, Chicago
Courtesy the artist and Perrotin

Riffs on Real Time (10 of 10) [Obstinatos* en tiempo real (10 de 10)], 2008
Impresión cromogénica tradicional
Colección del Dr. Daniel S. Berger, Chicago

Begun in 2002, Riffs on Real Time is an ongoing series of photographs within photographs. In the images, small snapshots selected from the personal archives of the artist or acquaintances are juxtaposed with newspapers, books, vintage issues of magazines like Life, Ebony, and National Geographic, and other mass culture publications or materials. This juxtaposition follows a logic of building in which the personal image is visually encircled by the larger cultural page, which in turn is visually surrounded by a floor surface such as wood or carpet, often marked by use and time. The nested or embedded structure of these Riffs on Real Time suggests that personal memory and history entwine visually, politically, and culturally. The improvisational evocation of riffs in the series title further marks the shifts, reconstructions, and multiplicity of the system created.

Iniciado en 2002, Riffs on Real Time (Obstinatos en/sobre tiempo real) es una serie en marcha de fotografías dentro de fotografías. En la serie, pequeñas fotos espontaneas tomadas de los archivos personales de la artista o de sus conocidos, que se yuxtaponen con periódicos, libros, ediciones antiguas de revistas como Life, Ebony y National Geographic, y otras publicaciones que son parte de la cultura de masas. Esta yuxtaposición sigue una lógica formal anidada en donde la fotografía personal está rodeada visualmente por la imagen con trasfondo cultural más grande, que a su vez está visualmente rodeada por la superficie de un piso de madera o alfombra, que a menudo está marcado el uso y el tiempo. La estructura anidada de estos Riffs on Real Time sugiere que la memoria personal y la historia se entrelazan política y culturalmente. La evocación de improvisación de los riffs en el título de la serie señala además cómo la memoria y la historia pueden desplazarse, reconstruirse y / o manipularse.

(*) Obstinato: Ostinato u obstinato (del italiano, "obstinado") es una técnica de composición consistente en una sucesión de compases con una secuencia de notas de las que una o varias se repiten exactamente en cada compás. De ahí su nombre en italiano, que significa ‘obstinamento, empeño en repetir lo mismo’. Es un efecto muy relacionado con el pedal, siendo la diferencia que en éste es una sola nota la que se repite o mantiene mientras que en el obstinato es una frase la repetida. Al igual que el pedal, el obstinato se sitúa normalmente en el bajo, aunque puede hacerlo en cualquier otra voz.

Juliana Huxtable
Nuwaub Chair, 2012
Color inkjet print, 8 x 10 in.
Courtesy the artist and JTT, New York

Nuwaub Chair [Silla Nuwaub], 2012 (izquierda)
Impresión de inyección de tinta a color
Ambas obras cortesía la artista y JTT, Nueva York

Nuwaub Chair pictures the artist as a follower of the Nuwaubian Nation, a radical
religious sect that combined Islamic, Ancient Egyptian, and extraterrestrial theories, but
in a stance and with a gaze that confounds ready categorization.

Nuwaub Chair, retrata a la artista como una seguidora de la Nación Nuwaubiana, una
secta religiosa radical que combina las teorías islámicas, del Antiguo Egipto y
extraterrestres, pero en una postura y con una mirada que confunde la categorización
inmediata.

Untitled (For Stewart), 2012
Color inkjet print, 20 x 30 in.
Courtesy the artist and JTT, New York

Untitled (For Stewart) [Sin título (para Stewart)], 2012 (derecha)
Impresión de inyección de tinta a color
Ambas obras cortesía la artista y JTT, Nueva York

Untitled (Destroying Flesh), 2015
Color inkjet print, 40 x 30 in.
Courtesy the artist and JTT, New York

Untitled (Destroying Flesh) [Sin título (destruyendo piel)], 2015
Impresión de inyección de tinta a color
Ambas obras cortesía la artista y JTT, Nueva York

Untitled (Casual Power), 2015
Color inkjet print, 40 x 30 in.
Courtesy the artist and JTT, New York

Untitled (Casual Power) [Sin título (poder casual)], 2015
Impresión de inyección de tinta a color
Ambas obras cortesía la artista y JTT, Nueva York

Often focusing on her body as a site, Huxtable, who was born intersex and raised male, explores constructions of the self and the social. Her photographic, non-linear text, and performance works create a subject position that sits alongside, but outside of, what has been determined to be normative. In the untitled works presented here, the artist uses freely flowing language, charting the topography of her desires and amalgamating seemingly disparate ideas about the flux of identities in time and across real and virtual spaces.

A menudo centrándose en su cuerpo como un sitio, Huxtable, quien nació intersexual y fue criada como varón, explora las construcciones del yo y lo social. Su trabajo fotográfico, de texto no lineal y de performance crea una persona que se encuentra junto a, pero fuera de, lo que se ha determinado que es normativo. En las tres obras sin título que se presentan aquí, la artista usa un lenguaje fluido, trazando la topografía de sus deseos y amalgamando ideas aparentemente dispares sobre el flujo de identidades en el tiempo y en espacios reales y virtuales.

Yvette Mayorga
Monument 2, 2015
Frosting, foam, plaster, party decorations, toy soldiers, guns, hair, balloons, wood, fabric,
acrylic, handcuffs, 30 x 24 x 24 in.
Courtesy the artist

Monument 2 [Monumento 2], 2015
Azúcar glaseado, espuma, yeso, decoraciones para fiestas, soldados de juguete, pistolas,
pelos, globos, madera, tela, acrílico, esposas

The tier cake forms of Mayorga’s Monuments draw on transnational family narratives and the politics of border-crossing as they evoke Mexican American quinceañera and birthday cakes to pay homage to specific people important to the artist. Marrying effusive adornment with frosting, toys, balloons, streamers to forms in collapse or deflation, as well as the toy guns and handcuffs, the sculptures consider the complex territories of race, gender, identity, Latinx stereotypes, cultural assimilation, and the American dream.

Los niveles de pastel en los Monuments de Mayorga están informados por narrativas familiares transnacionales y la política de cruzar la frontera, mientras evocan los pasteles mexicanos-americanos de quinceañera y cumpleaños y rinden homenaje a personas especificas importantes de la vida de la artista. Uniendo el adorno efusivo de azúcar glaseado, juguetes, globos, y serpentinas con formas que están derrumbándose o desinflándose, además de juguetes de pistolas y esposas, las esculturas consideran los territorios complejos de la raza, el género, la identidad, los estereotipos de los latinx, la asimilación cultural, y el sueño americano.

Monument 3, 2015
Frosting, foam, plaster, party decorations, toy soldiers, hair, wood, fabric, acrylic, 24 x 6 x 24 in.
Courtesy the artist

Monument 3 [Monumento 3], 2015
Azúcar glaseado, espuma, yeso, decoraciones para fiestas, soldados de juguete, pelos, madera, tela, acrílico
Ambas obras cortesía la artista

Monument 1, 2015
Frosting, foam, plaster, party decorations, toy soldiers, hair, balloons, wood, fabric, acrylic, 48 x 12 x 12 in.
Courtesy the artist

Monument 1 [Monumento 1], 2015
Azúcar glaseado, espuma, yeso, decoraciones para fiestas, soldados de juguete, pelos, globos, madera, tela, acrílico
Ambas obras cortesía la artista

Monument 5, 2015
Frosting, foam, plaster, party decorations, toy soldiers, Selena's picture, guns, hair, balloons, wood, fabric, acrylic, 72 x 24 x 24 in.
Courtesy the artist

Monument 5 [Monumento 5], 2015
Azúcar glaseado, espuma, yeso, decoraciones para fiestas, soldados de juguete, imágenes de Selena, pistolas, pelos, globos, madera, tela, acrílico
Ambas obras cortesía la artista

Monument 4, 2015
Frosting, foam, plaster, party decorations, toy soldiers, hair, balloons, fabric, acrylic, 48 x 12 x 12 in.
Courtesy the artist

Monument 4 [Monumento 4], 2015
Azúcar glaseado, espuma, yeso, decoraciones para fiestas, soldados de juguete, pelos, globos, tela, acrílico
Ambas obras cortesía la artista

Howardena Pindell
Free, White and 21, 1980
Color video with sound, 12:15 min. loop
Courtesy the artist and Garth Greenan Gallery, New York

Free, White and 21, 1980
Video en color con sonido, 12:15 min. lazo
Cortesía la artista y Garth Greenan Gallery, Nueva York

The video’s title is adopted from a colloquial refrain heard in American cinema and other pop culture forms of the 1930s and ’40s. At that time, young female characters frequently expressed defiance, independence, and sovereign individuality by proclaiming, “I’m free, white, and twenty-one!” Pindell’s use of the phrase as the title of her work points to the glaring inequality upon which many gains in white feminism were built. Pindell’s performance persona and image groundbreakingly consider the tensions within the U.S. feminist movement.

As the only work in the exhibition created before 2010, it also acts as an anchor, bridging performance practices of the 1970s and ’80s with those of younger artists such as Juliana Huxtable.

El título del vídeo es adoptado de un frase coloquial que se escuchaba en el cine estadounidense y otras formas de cultura popular de los años treinta y cuarenta. En esas décadas, los jóvenes personajes femeninos frecuentemente expresaban su deseo de desafíar al status quo, su independencia e individualidad soberana al proclamar: "Soy libre, blanca y tengo veintiuno años de edad!" (veintiún años siendo la mayoría de edad en USA). El uso que hace Pindell de la frase como título de su trabajo apunta a la flagrante desigualdad sobre la cual se lograron muchos los avances sociales en el feminismo por parte de mujeres blanca. La persona de Pindell en sus acciones de performance y su imagen considera de forma innovadora las tensiones en el feminismo de Estados Unidos.

La única obra de la exposición creada antes del 2010, Free, White and 21 actúa también como ancla y puente que conecta las prácticas de performance de los años 70 y de los años 80 de artistas más jóvenes, como Juliana Huxtable.

Martine Syms
More Than Some, Less Than Others VIII, 2014-2016
Archival pigment print, 28 x 22 in.
Courtesy the artist and Bridget Donahue, NYC

Más que algunos, menos que otros VIII, 2014-2016
Impresión pigmentada de archivo
Ambas obras cortesía la artista y Bridget Donahue, NYC

More Than Some, Less Than Others IX, 2014-2016
Archival pigment print, 28 x 22 in.
Courtesy the artist and Bridget Donahue, NYC

Más que algunos, menos que otros IX, 2014-2016
Impresión pigmentada de archivo
Ambas obras cortesía la artista y Bridget Donahue, NYC

Subtle Maneuver X, 2016
Cut vinyl on paper, 28 x 22 in.
Courtesy the artist and Bridget Donahue, NYC

Maniobra sutil X, 2016
Corto de vinilo en papel
Ambas obras cortesía la artista y Bridget Donahue, NYC

More Than Some, Less Than Others XXXIX, 2016
Archival pigment print, 28 x 22 in.
Courtesy the artist and Bridget Donahue, NYC

Más que algunos, menos que otros XXXIX, 2016
Impresión pigmentada de archivo
Ambas obras cortesía la artista y Bridget Donahue, NYC

More Than Some, Less Than Others XVI, 2014-2016
Archival pigment print, 28 x 22 in.
Courtesy the artist and Bridget Donahue, NYC

Más que algunos, menos que otros XVI, 2014-2016
Impresión pigmentada de archivo
Ambas obras cortesía la artista y Bridget Donahue, NYC

More Than Some, Less Than Others XIX, 2014-2016
Archival pigment print, 28 x 22 in.
Courtesy the artist and Bridget Donahue, NYC

Más que algunos, menos que otros XIX, 2014-2016
Impresión pigmentada de archivo
Ambas obras cortesía la artista y Bridget Donahue, NYC

More Than Some, Less Than Others XXVII, 2016
Archival pigment print, 28 x 22 in.
Courtesy the artist and Bridget Donahue, NYC

Más que algunos, menos que otros XXVII, 2016
Impresión pigmentada de archivo
Ambas obras cortesía la artista y Bridget Donahue, NYC

More Than Some, Less Than Others XII, 2016
Archival pigment print, 28 x 22 in.
Courtesy the artist and Bridget Donahue, NYC

Más que algunos, menos que otros XII, 2016
Impresión pigmentada de archivo
Ambas obras cortesía la artista y Bridget Donahue, NYC

More Than Some, Less Than Others X, 2016
Archival pigment print, 28 x 22 in.
Courtesy the artist and Bridget Donahue, NYC

Más que algunos, menos que otros X, 2016
Impresión pigmentada de archivo
Ambas obras cortesía la artista y Bridget Donahue, NYC

More Than Some, Less Than Others XXII, 2014-2016
Archival pigment print, 28 x 22 in.
Courtesy the artist and Bridget Donahue, NYC

Más que algunos, menos que otros XXII, 2014-2016
Impresión pigmentada de archivo
Ambas obras cortesía la artista y Bridget Donahue, NYC

More Than Some, Less Than Others are stills from short videos informed by the Black literary tradition, and inspired by authors such as Zora Neale Hurston and Kevin Young. In this series fences, skylines, and headlines point to major metropolises—such as Chicago, Detroit, and Los Angeles—that were impacted by early 20th century migration of Black southerners to the North and West. Yet, in spite of this suggestive theme, the image-text pairings in this series resist a defined narrative understanding. Distanced and close-up shots refuse a single privileged viewpoint, and technologies of mediation (projections, signage) show up as recurring motifs. Thus, a central theme becomes how mediation constructs knowledge and subjectivity. Likewise, Subtle Maneuver X states the artist’s desire to resist definition and neutrality. “The cut” has many meanings here, alluding to a physical location that is secluded or not easy to find, the disruption between scenes in video forms, and theorist Fred Moten’s concept of the generative space of radical Black aesthetics.

La serie More Than Some, Less Than Others, son imágenes tomadas de videos cortos que hacen referencia a la tradición literaria afro-americana, inspirado por autores como Zora Neale Hurston y Kevin Young. En esta serie, las cercas, los horizontes y los titulares apuntan a grandes metrópolis, como Chicago, Detroit, y Los Ángeles, que se vieron la llegada de población afro-americana del sur de Estados Unidos al Norte y Oeste a partir de la década de 1920. Sin embargo, a pesar de este sugerente tema, los emparejamientos de imagen y texto en esta serie resisten una definitiva narrativa para comprenderla. Las tomas fotográficas distantes y en primer plano se niegan a ser un punto de vista privilegiado, y las tecnologías de mediación (proyectores, señalización) aparecen como motivos recurrentes. Por lo tanto, el papel de la mediación en la construcción del conocimiento narrativo y la subjetividad se convierte en un tema central de las obras. Del mismo modo, su obra Subtle Maneuver X establece el deseo de la artista a resistir definiciones y neutralidad. El término “the cut” (el corte) tiene muchos significados aquí, aludiendo a lugares aislado o difíciles de encontrar, la interrupción entre escenas en medios videográficos y el concepto del teórico Fred Moten del espacio generativo de la estética negra radical.

Zipporah Camille Thompson
prismatic root, 2015
Acrylic and mixed media, 70 x 70 x 7 in.
Courtesy Whitespace Gallery, Atlanta, GA

prismatic root [raíz prismática], 2015
Acrílico y técnica mixta
Cortesía Whitespace Gallery, Atlanta, GA

Interested in spiritual and ritual-based traditions, Thompson explores destruction and fertility in her work, raising spiritual questions related to life cycles and transformation. In prismatic root, the artist’s collection and curation of objects sacralizes the mundane and explores accumulation in a manner similar to traditional African art. The work’s focus on hair—human and animal, natural and synthetic—suggests the spiritual power associated with hair’s functions of covering and protecting the body.

Interesada en tradiciones espirituales y rituales, Thompson explora en su trabajo los temas de destrucción y fertilidad, proponiendo preguntas espirituales relacionadas con ciclos de vida y transformación. En prismatic root, la acumulación y curaduría de objetos por parte de la artista sacraliza lo mundano y explora el gesto de acumulación de una manera similar a la tradición del arte africano. El trabajo se enfoca en el cabello, tanto humano como animal, tanto natural como sintético, y sugiere el poder espiritual asociado con las funciones del cabello de cubrir y proteger el cuerpo.

panspermiatic drift, 2015
Handwoven tapestry, 44 x 26 x 12 in.
Courtesy Whitespace Gallery, Atlanta, GA

panspermiatic drift [deriva panspermiatica], 2015
Tapiz tejido a mano
Cortesía Whitespace Gallery, Atlanta, GA

Much of Thompson’s inspiration is derived from landscapes and landforms, either physical and tangible or imagined and unknown. A material investigation of natural disasters and their ability to shape our environment, panspermiatic drift derives from the artist’s examination of various media images of major floods and their aftermaths. Incorporating handweaving and tapestry methods, the work’s amorphous structure holds a tangle of objects metaphorically washed up from human civilization.

Gran parte de la inspiración de Thompson se deriva de paisajes y accidentes geográficos, ya sean físicos y tangibles como imaginarios y desconocidos. Una investigación material acerca de los desastres naturales y su capacidad de dar forma a nuestro medio ambiente, panspermiatic drift deriva del examen que la artista hace de varias imágenes mediaditas de grandes inundaciones y sus secuelas. Incorporando métodos de tapicería y tejido a mano, la estructura amorfa de la obra contiene una maraña de objetos que metafóricamente han sido arrojados desde la civilización humana.